Historia del Arte

El efecto Bauhaus

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El Staatliches Bauhaus abrió en 1919. Fue cerrado bajo presión por los nazis en 1933. En los años intermedios, sus maestros sintetizaron un ethos profundamente influyente del objeto bien diseñado y producido en masa.

A pesar de que la estética de la Bauhaus ha retrocedido hacia el pasado, la perspectiva de la Bauhaus se ha renovado y ampliado en el próximo siglo desde su nacimiento.

Historia de fondo de la Bauhaus

Varios factores históricos convergieron en la Bauhaus. La industrialización y la aparición del "hombre de masas" - enormes poblaciones urbanas de clase media y trabajadora - dieron lugar en el siglo XIX al deseo de embellecimiento. El progreso material estaba superando la habitabilidad. La vida de la ciudad era a menudo banal y fea.

Los artistas y diseñadores consideraron el problema de adornar los hogares y las vidas de las masas urbanas en expansión. Este problema contenía desafíos estéticos y materiales.

El desafío estético era el estilo: ¿qué tipo de belleza se adaptaba a la vida moderna? Las respuestas iniciales fueron nostálgicas y anhelaban estilos rústicos, medievales y populares idealizados. Estos resultaron en facciones como la Hermandad Prerrafaelita y el Movimiento de Artes y Oficios.

Más tarde, el Art Nouveau comenzó a integrar temas retrospectivos con las sinuosas líneas de la Era de la Máquina. Art Deco lo siguió, celebrando la industrialización en sí misma en sus imágenes y motivos.

El desafío material del embellecimiento masivo fue igualmente desalentador. Los objetos producidos por la nueva generación de artista-diseñador deberían, idealmente, estar disponibles para la persona común. Sin embargo, la artesanía experta que siempre había definido los productos de calidad colocó sus precios fuera del alcance.

En pasos vacilantes, los procesos de producción industrial en masa se aplicaron con humildes propósitos utilitarios. El metal en forma de máquina y el vidrio reemplazaron la madera y la piedra talladas a mano. El hermoso objeto perdió su encanto individual hecho a mano. Pero se hizo accesible a la población general, cuyo paisaje urbano alienante lo exigía.

La Primera Guerra Mundial devastó Europa. Hasta la guerra, una alta cultura refinada todavía ayudó a definir la estética y moderar los vientos de cambio. Después de cuatro años de brutal guerra mecanizada, el delicado Viejo Mundo yacía en ruinas.

Un continente tambaleante estaba listo y ansioso por explorar nuevas teorías y productos de diseño radicales. Fue en este contexto que el arquitecto Walter Gropius fundó la Bauhaus, en Weimar, Alemania, en 1919.

La visión

La Bauhaus siguió un concepto utópico, una misión para diseñar y definir completamente la vida moderna. Su doctrina fue más allá de la integración de la forma y la función, buscando fusionar todas las ramas del arte y el diseño en un todo armonioso y perfecto.

En su manifiesto de fundación, Gropius escribió: “¡Creemos ... creemos un nuevo gremio de artesanos sin las distinciones de clase que levantan una barrera arrogante entre artesanos y artistas! Deseemos, concibamos y creemos juntos el nuevo edificio del futuro. Combinará arquitectura, escultura y pintura en una sola forma, y ​​un día se elevará hacia los cielos de las manos de un millón de trabajadores como el símbolo cristalino de una nueva y futura fe ".

Sin embargo, no había clase de arquitectura. La ambición gigantesca de Gropius era ridículamente incompatible con los recursos disponibles para él. La escuela sufrió la pobreza de la Alemania derrotada en sus primeros años.

Cuando se abrió, los estudiantes estaban hambrientos y las aulas no tenían escritorios. Se agacharon en el suelo en estudios sin calefacción.

Sin inmutarse, Gropius diseñó un plan de estudios y reunió un conjunto de maestros para ejecutarlo. En su período de Weimar, la Bauhaus tenía entre 150 y 200 estudiantes. Se admitieron altas proporciones de mujeres y no alemanes.

No había requisitos académicos para ingresar al curso básico, un estudio introductorio de materiales, aunque aprobar ese curso, un requisito para avanzar más, era difícil. Los maestros de este currículum a lo largo de la vida de la Bauhaus hicieron mucho para establecer el tono de la escuela durante su mandato.

Jugando Fortalezas

El primero de los instructores del curso básico fue Johannes Itten, un artista suizo formado como maestro de escuela primaria. Seguía las ideas de Friedrich Fröbel, el "inventor del jardín de infancia", quien había propuesto la idea radical de que los niños aprendan y prosperen a través del juego.

Itten aplicó este concepto a su curso, introduciendo gimnasia, meditación y ejercicios de respiración en el aula. El trabajo real implicaba "jugar" con piezas de madera y metal, vidrio y piedra, arcilla y tela. La obra consistió en transformar y ensamblar los materiales con el objetivo de descubrir sus propiedades individualmente y en conjunto.

Itten guió la obra para enseñar a sus alumnos los principios de forma y color y para ayudarlos a centrarse en los medios específicos a los que estaban mejor adaptados. Él vio su trabajo como transmitir conceptos y prácticas de arte y diseño a sus estudiantes mientras al mismo tiempo fomentaba y desarrollaba su creatividad y expresión individual.

Itten era profundamente escéptico de la modernidad. En la introducción a su libro, Diseño y forma: el curso básico en la Bauhaus y más tarde, escribió, “Los terribles eventos y las devastadoras pérdidas de la guerra habían traído a su paso confusión e impotencia en todos los ámbitos de la vida. ... Me di cuenta del hecho de que nuestra civilización científica y tecnológica había alcanzado un punto crítico. No creía que las consignas "Volver a las manualidades" o "Unidad de arte y tecnología" fueran capaces de resolver nuestros problemas ".

Itten encontró sus respuestas en filosofía oriental, zoroastrismo y teología cristiana primitiva. Sus inclinaciones místicas lo pusieron gradualmente en conflicto con Gropius, e Itten abandonó la Bauhaus en 1923.

Integración de disciplinas

Con la partida de Itten, el período expresionista de la Bauhaus llegó a su fin. En adelante, los estudiantes no deberían ser alentados hacia los extremos de la visión personal y la idiosincrasia. Más bien, debían ser adoctrinados en un conjunto de ideas y prácticas más universalistas.

Gropius encontró en el fotógrafo y pintor húngaro László Moholy-Nagy un socio en este programa. Moholy-Nagy era comunista y compartía el optimismo tecnológico de los comunistas de la época. Creía de todo corazón en la unión del arte y la tecnología, al servicio de la creación de un futuro humano saludable.

En su libro La nueva visión, del material a la arquitectura Describió su enfoque del curso básico de Bauhaus: “Su formación este primer año está dirigida a experiencias sensoriales, enriquecimiento de valores emocionales y el desarrollo del pensamiento. El énfasis se pone no tanto en las diferencias entre los individuos sino más en la integración de las características biológicas comunes y en los hechos científicos y técnicos objetivos ".

En la práctica, el curso de Moholy-Nagy no era tan diferente del de Itten, aunque implicaba más collage. La diferencia en efecto deriva del concepto de Moholy-Nagy de los objetivos de sus lecciones y la forma en que explicó a sus alumnos lo que estaban haciendo en su clase.

Artista-Artesano Fusion

Moholy-Nagy compartió la dirección del curso preliminar con el graduado de Bauhaus, Josef Albers, quien lo asumió por completo en 1928 cuando Moholy-Nagy abandonó la escuela. Al igual que Moholy-Nagy, Albers se suscribió a la doctrina del diseño utópico-fusionista de Gropius, dando forma a su enseñanza en torno a la centralidad de unir propiedades y usos de materiales.

Otros artistas notables que pasaron por la Bauhaus durante su corta pero intensa existencia incluyeron a Paul Klee, Wassily Kandinsky y Oskar Schlemmer. El trabajo y la enseñanza de Schlemmer demuestran hábilmente el impulso de la Bauhaus para cultivar el universalismo en el arte y el diseño: enseñó pintura mural; escultura en piedra, madera y metal; y dibujo de la vida.

Produjo un trabajo significativo como diseñador gráfico y publicista, pero una pasión clave para él fue el escenario. Schlemmer diseñó y coreografió ballet, trabajó con Stravinsky y dirigió la gira nacional del programa escénico Bauhaus en 1928 y 1929.

Ejemplifica la Bauhaus universal "artista-artesano". Pero la llegada del nazismo rompió su espíritu. Su amigo Max Bill escribió que en los últimos 10 años de Schlemmer parecía que una "cortina de silencio" había caído sobre él. Murió en el hospital en 1943.

En esto, también, ejemplifica la Bauhaus. Existió en tiempo prestado, resistiendo el ataque constante de facciones proto-nazis y nazis hasta su prematura desaparición.

Diseños para producción en masa

Bajo presión política y financiera, la Bauhaus se mudó de Weimar a Dessau en 1925. Gropius diseñó el nuevo edificio de la escuela, una obra maestra del modernismo de la Bauhaus. El arquitecto Hannes Meyer reemplazó a Gropius como director de la escuela en 1928.

Bajo su dirección, la escuela se centró cada vez más en los problemas de diseño para la era de la producción en masa y el trabajo producido que constituía un flujo de ingresos significativo. Adoptó con entusiasmo el programa de papel tapiz de la escuela, creando concursos de estudiantes para su inclusión en la colección oficial de papel tapiz Bauhaus.

De todos los diseños utilitarios que produjo la escuela, los fondos de pantalla fueron los más rentables. La escuela finalmente comenzó a funcionar en negro en 1929.

Desafíos políticos

En 1930, el arquitecto Ludwig Mies van der Rohe reemplazó a Meyer, cerrando las actividades de fabricación de la escuela para que la enseñanza fuera más central en su programa. Cuando los nazis se hicieron cargo del consejo de la ciudad de Dessau, se movieron contra la escuela.

Dos fuentes principales de animus alimentaron la oposición constante de los nazis a la Bauhaus: por un lado, la Bauhaus proporcionó un ambiente amigable para los comunistas, a quienes los nazis detestaban. Por otro lado, la estética de Bauhaus reflejaba un modernismo cosmopolita, contra el cual los nazis criticaron como "degenerados" y "no alemanes". El ayuntamiento ordenó el cierre del campus de Dessau.

En 1931, Mies pagó de su bolsillo para alquilar una fábrica de teléfonos abandonada en Berlín como una nueva instalación escolar. Durante este corto período final de la Bauhaus, estudiantes y maestros trabajaron juntos para rediseñar el interior del edificio.

Poco más trabajo se hizo antes de que la Gestapo cerrara la escuela. Aunque la decisión fue revocada, la administración decidió disolver la Bauhaus, y el experimento en educación artística llegó a su fin en 1933.

Impacto continuo

Durante sus 14 años de funcionamiento, la Bauhaus produjo una pequeña cantidad de diseños icónicos, entre ellos el cenicero de Marianne Brandt y el juego de café / té, la "silla Wassily" tubular de acero y tela de Marcel Breuer, las mesas apilables de Josef Albers y, por supuesto, Los fondos de pantalla.

Estos objetos se distinguían por la dependencia de formas geométricas básicas (el cubo, el cilindro y la esfera) y un análisis estricto de los requisitos mínimos de diseño del trabajo del objeto. Su misma severidad refleja un estilo hipermoderno casi cómico.

La arquitectura producida por la Bauhaus tiene la misma calidad: estructuras de repuesto, lógicas y rectangulares que involucran una gran cantidad de acero y vidrio. Dada su breve vida útil y su producción relativamente pequeña, la Bauhaus ha tenido un impacto enormemente desproporcionado en todos los campos relacionados con su trabajo.

La plantilla pedagógica original de Itten, que accedía a la creatividad mediante la aplicación del concepto de juego de jardín de infantes a materiales y consideraciones para adultos, definió no solo los cursos preliminares impartidos por sus sucesores, sino muchos de los supuestos básicos de la educación artística posterior.

El aspecto limpio y sin adornos desarrollado por los diseñadores de Bauhaus se extendió por todas partes en el diseño modernista. Ciudades de todo el mundo, desde Chicago hasta Tel Aviv, comenzaron a mostrar la influencia de la Bauhaus en su arquitectura a medida que los refugiados de la escuela se extendían por todo el mundo.

Hoy, casi un siglo después de su fundación, la Bauhaus a veces ha sido suplantada como la influencia clave en la arquitectura, el diseño industrial, la tipografía y muchas otras disciplinas en las que alguna vez tuvo influencia. Sin embargo, el trabajo posbauhausiano en estas disciplinas existe, al menos en parte, en respuesta a la Bauhaus. Es una parte tan fundamental de la historia de la estética que sus principios deben ser respondidos incluso por aquellos que no están de acuerdo con ellos. Todos vivimos a la sombra de la Bauhaus.

Me encanta ... no me encanta

Como crítico de arte, encuentro que la Bauhaus es casi trágicamente frustrante. Adoro cada cosa sobre la escuela: su facultad frágil y brillante, su alumnado fanático, su sentido radical de juego y experimentación. Admiro la disposición a tomar riesgos, a intentar cualquier cosa, a abordar todo, a desafiar los supuestos heredados sobre todas las reglas de la estética.

Sin embargo, apenas puedo soportar un solo objeto Bauhaus. El sentido del diseño de los bauhausianos me parece torpe e irritante. Los colores y las formas son exagerados hasta el punto de ser rallados. La llamada utilidad de sus objetos involucra parámetros de diseño tan extremos como para hacer que los objetos sean desagradables de ver o usar.

Sus edificios me parecen mecanicistas y vagamente hostiles a las personas que realmente tienen que ocuparlos. Su celo por la eliminación eliminó, sobre todo, cada toque suave que hace soportable la funcionalidad desnuda.

Aún así, no serán negados. Llevo un reloj arrancado de forma transparente de los diseños de Max Bill para Junghans. Amo esos relojes.

Artículo escrito por Daniel Maidman y publicado por primera vez en la revista Artists. Obtenga su suscripción ahora y nunca se quede sin las historias centradas en el arte, la inspiración y la instrucción que ama.


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Comentarios:

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